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英国设计的标志性时代

在过去的50年里,英国平面设计已成为地球上最具影响力和广泛使用的视觉语言。从战后的现代主义运动开始,这个小小岛已经吸收了瑞士现代主义对达达主义的影响,从包豪斯到情境主义,并在每一个都削减和蚀刻,然后吐出一个真正特殊的作品。

英国设计在其方法和执行方面都是独一无二的,能够平衡大规模市场攻击线与企鹅图书和Routemaster巴士海报等设计经典,以及Jamie Reid朋克美学的无与伦比的能量和态度。

从艾伦·弗莱彻的现代主义融合欧美设计到内维尔布罗迪在20世纪80年代定义的十年视觉作品,英国的平面设计融入,塑造并最终激发了全球当代平面设计的灵感。从Barnbrook到Brody,Calvert到Garrett,从Alan Fletcher到Barney Bubbles,英国已经培养出了一些有史以来最重要的设计师。 “所有这些数字都有一个共同之处,”着名设计评论员和作家阿德里安·肖内西证明了这一点。 “不符合舒适的英国传统主义的概念。”

从战后到后朋克1950-1979
1951年5月,英国艺术节迎来了英国设计和文化的大胆新视野。在第二次世界大战荒凉之后严肃对待未来,英国节日庆祝现代主义观,体现在从展览海报到庆祝活动所创造的纪念邮票的各个方面。

在六个主要展览的1000万参观者中,有一位年轻的艾伦弗莱彻,两年后他将会见皇家艺术学院的科林福布斯,西奥克罗斯比,德里克伯萨尔和肯加兰。弗莱彻在传奇人物保罗·兰德的带领下从美国学习平面艺术回归后,成立了弗莱彻/福布斯/吉尔,经过几次化身,演变为五角星 - 有史以来最重要的设计机构之一。

“艾弗弗莱彻非常受美国设计的影响,”肖内西说,他认为弗莱彻是现代英国设计的重要催化剂 - 如果有时是温和的。 “使用视觉双关语和视觉笑话意味着他的很多作品只是舒适的英国传统的一个更加敏锐的版本。他的共同建立的五角星在英国设计中是一个伟大的成就。”

虽然弗莱彻,福布斯和吉尔为倍耐力等公司开展了时代定型运动,并结合了美国和欧洲的设计,但英国的基础设施设计正在经历一场革命。

交通部关注英国路标的不规则性,希望模仿伦敦交通运输公司一贯的品牌和身份的成功。乔克·金尼尔和他的助手玛格丽特·卡尔弗特的任务是为所有高速公路和路标创造一个统一的外观。根据卡尔弗特的说法,这些新的蓝色和白色标志是平面设计的绝对精髓;明确标注,直接信息剥夺了所有混乱。 Kinneir和Calvert的标志迅速变得像伦敦公共汽车和黑色出租车一样可以识别英国,并继续在全球范围内塑造基础设施设计。它们仍然对在线导航系统产生影响。

与Kinneir和Calvert的激进标志系统的视觉效率形成鲜明对比的是20世纪60年代后期的眼睛爆炸。从艾伦·阿尔德里奇(Alan Aldridge)创作的“奶油与谁”(The Who),“奥兹”(Oz)杂志 - 由插画家(以及澳大利亚前拍)马丁·夏普(Martin Sharp)创立的地方媒体和音乐事业的色彩和能量爆发,如同野火一样蔓延到美国和欧洲。

“60年代的反文化对于英国平面设计的发展至关重要,”肖内西认为。 “也许不是风格,但是在展示如何将图像用于颠覆或侵犯目的。我认为它表明'平面设计'可以是艺术,并且可以传递信息和代码。这是图形设计第一次离开来自英国古老的品味和礼貌传统。“

在意大利艺术总监Germano Facetti的带领下,Penguin开始着手改变其经典品牌的面貌。 Facetti委托包括Alan Aldridge在内的众多崭露头角的英国插画家和设计师将实验图像融入瑞士设计师Jan Tschichold设计的严谨经典的封面框架中。这种组合是一个主线 - 立刻提升了Penguin在书架上的当代地位,同时保持了品牌的独特可识别性。这种方法至今仍然是一个坚实的设计惯例,仍然可以在包括时代杂志的模板驱动封面的例子中看到。

然而,虽然20世纪60年代迷幻艺术品和影响力的爆炸在音乐和时尚中相互碰撞,但它很快变得过时和沉稳。对此的Anathema - 以及一般的自由爱情文化 - 来自朋克运动。

“[朋克]抛弃了平面设计的正式传统,取而代之的是免费的反形式主义表达方式,”肖内西解释道。 “它向每个人展示了平面设计不仅可以用于提供客户的商业信息。”

事实上,朋克运动传递的信息是后现代的,超现实主义的革命性呼唤 - 从Jamie Reid现在着名的Sex Pistols作品到由诸如Sniffin'Glue。这些无疑是形成性的地下工程。但他们将继续激励的将重塑全世界英国平面设计的欣赏。

从撒切尔主义到网络1980-1995
1980年5月,由一位NME编辑组建的小型出版社推出面子。在接下来的20年里,它将成为时尚,音乐和青年文化的风格灯塔。然而,它作为一件设计的传统比它的文化光更亮,作为世界时尚和时尚杂志的模板。

在该杂志的超现代风格的掌舵下,内维尔布罗迪 - 现在是英国最着名的设计师之一面子竞技场,近年来他重新设计了时代监护人研究工作室的报纸。布罗迪使用非传统和印刷大胆的布局与亲密的肖像摄影相结合是一个启示,并继续塑造编辑设计。

“在20世纪80年代之前,英国的设计一直是传统风格 - 纹章标志,装饰排版和学术插图。但平面设计赶上流行音乐和时尚,并采用激进,街头和反建立的风格,”肖内西说。 “但这种对风格的痴迷与撒切尔的'载钱'文化密切相关,今天激进的风格和商业风格几乎完全相同。曾经看起来像革命性的一样。面子现在看起来像标准的商业文化。“

许多乐队早期的问题面子特色是他们自己正在进行视觉翻新。在曼彻斯特,Factory Records将达达主义和情境主义理论与严重工业化的美学融合在一起。指导包括Joy Division,A Certain Ratio和Duretti Column在内的乐队的视觉风格是Peter Saville,一位年轻的设计师,他的遗产印在曼彻斯特身上。他是这座城市的创意总监,负责曼彻斯特市的标志和视觉形象 - 而20世纪80年代风格的图形包装,最近的耐克和锐步活动,以及包括La Roux在内的一大群乐队,继续模仿萨维尔的比喻驱动的极简主义。

像萨维尔一样,马尔科姆·加勒特曾在曼彻斯特理工学院学习平面设计,并在20多岁时开始为曼彻斯特的后朋克乐队从城市爆炸而开始工作。加勒特的Buzzcocks艺术品融合了地下朋克美学与富有挑战性的智能口号。他继续为杂志,男孩乔治和简单思想等乐队创作图像,但他的作品是杜兰杜兰专辑封面,至今仍是20世纪80年代平面设计的视觉标志,当代设计师包括Chrissie Abbott加勒特的审美。

还有特色面子- 以及随后的无数音乐和风格标题 - 音乐家包括Elvis Costello和Barney Bubbles继续工作的其他Stiff Records艺术家。 Bubble 20世纪70年代后期流行艺术风格的风格已经成熟为一种更纯粹的图形形式。他的专辑作品包括Elvis Costello我的目标是真的对美国设计界产生了巨大的影响(并且仍然如此 - 只要看看像Green Day这样的西海岸流行朋克服装的例子)。同时,Bubbles的发布推广工作 - 包括在三篇英国音乐论文中提供的可收集的六部分海报 - 从商业角度探讨了朋克的地下方法,就像企鹅在15年前管理的那样。

“萨维尔,布罗迪和加勒特的影响不在于反主流文化的风格和比喻,而在于激进的欧洲现代主义,正式使用网格,排版理论以及图像和色彩的受控使用,”肖内西说。他补充说,这场设计革命遗留下来的遗产并不那么激进 - 设计作家Rick Poyner最近写了一篇关于当代英国设计的章节。在英国设计,一本新的设计博物馆书。

“在20世纪60年代和80年代,平面设计的商业和文化需求是由经济增长推动的,”Poyner说。 “在20世纪80年代,这甚至被称为'设计热潮'。通过精心设计的视觉信号表达图像的想法在20世纪60年代早期就已经很重要了。到了20世纪80年代,对图像作为身份表达的关注已成为在这个竞争激烈的十年中,“风格”就是一切,包括平面设计在内的设计被视为一个人或企业可以获得它的神奇设备。这是英国出口到全球的文化和商业对风格和身份的痴迷。

但是,这种对流行文化的商业化分析成为20世纪80年代和90年代设计的缩影。虽然地下运动继续影响设计 - 最明显的是20世纪80年代末和90年代初的酸性房屋文化 - 地下现在暴露出来,萨维尔,加勒特和布罗迪所采取的态势主义立场已被同化为主流。将英国的独立设计权威重新打造成世界将需要另一场革命,随着数字化的曙光破灭,新一代设计师已准备好接受火炬传递。

数字革命1995年至今
“与萨维尔和布罗迪一起开始的英国设计的激进化与诸如Why Not Associates,Fuel,Cartlidge Levene和Tomato等团体达成了一种高潮,代表了一种图形表达浪潮,可以与瑞士荷兰的情况相媲美,日本,德国和美国 - 那些已经采用激进方式进行平面设计的地方,“当被要求选择英国设计的黄金时期时,肖内西说。尽管仍然太接近完全欣赏,早期的数字设计革命使英国成为全球领导者,此前美国驱动的大卫卡森,卡洛斯塞古拉和吉姆马库斯的美学驱动器审美。

FUEL,Why Not Associates和Graphic Thought Facility等设计服装从英国的艺术和设计学院中脱颖而出,将Saville和Brody的艺术融合方式融入到时尚,音乐和电影的设计工作中。

番茄更进一步推动了事物的发展,融合了英国平面设计和音乐之间的联系,以及乐队Underworld的艺术作品 - 两个成员的侧面项目。这奠定了Lemon Jelly / Airside和其他双重设计和音乐服装的蓝图。

从这个新设计的设计师,一个工作室脱颖而出。 Shaughnessy和Poyner都宣称,设计师共和国(tDR)将被视为来自英国的最具影响力的设计工作室之一 - 无论是在创意产出还是立场方面:“Ian Anderson像一个流行乐团一样运行tDR,并且他这样做是将平面设计从专业领域转移到更广泛的音乐,风格和时尚中,“Shaughnessy认为。 “我们现在认为这是理所当然的,但过去常常如此不同。”

tDR为Faberge和V&A博物馆以及儿童玩具公司Hasbro的广泛需求为客户提供服务,展示了工作室人才的多样性。但客户知道他们是为了获得直接的创意投入而不是为了实现营销和广告简介而进入tDR; tDR没有家居风格,但它确实有一种家庭风格。

“设计被视为日常流行文化的一个重要方面,”Poyner说。 “它成为了一个非常理想的职业选择。平面设计师越来越相信设计对于各种有效的当代交流至关重要,并且他们的时代已经到来。工作有很大的保证,视觉发明和多样性随之而来。世界真的开始注意到英国的平面设计。“

在互联网泡沫破灭与现今之间,少数英国设计师通过将政治和文化影响与商业设计相结合,为自己赢得了声誉。 Jonathan Barnbrook的部分抗议,部分艺术驱动的作品继续激励一代具有道德意识的设计师,而Brendan Dawes的magneticNorth和视频超级工作室Mainframe等尖端的网络和互动设计工作室将经典的图形设计与技术先进的设计融为一体动作和互动工作。

在这些新领域,英国设计仍然像40年前一样具有影响力。虽然单枪可能已经被协作企业和工作室的发展所取代,但个人仍然可以留下自己的印记。像凯特莫罗斯这样的插画家继续将时尚,音乐和说明艺术融入到吉百利和耐克等全球品牌的设计工作中,而像Form,Attik和Studio Output这样的工作室则在时尚和纯粹的平面设计美学之间编织文化参考点。

但风格必须从某个地方出现,虽然伦敦可能被视为世界的音乐和设计之都,但英国的利他主义和艺术态度仍然是设计工作仍然是其最可出口的商品。 “有趣的是,由于当前的金融危机,这些前消费主义设计理念正在卷土重来,特别是在美国,”肖内西认为。如果他是对的,下一代英国设计师可能会在世界上留下自己的印记。



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